La comedia de improvisación fue el ingrediente mágico en el set de Anchorman

A principios de la década de 2000, cuando todavía existían las películas de comedia de gran presupuesto, alto perfil y gran éxito, Will Ferrell, Ben Stiller, Vince Vaughn y al menos un hermano Wilson aparecían en las películas de cada uno, casi siempre producidas por Judd Apatow. . Todos ellos ocupan un lugar destacado en Anchorman: The Legend of Ron Burgundy, el apogeo de la era llamada "Frat Pack". Llegó a los cines en el verano de 2004, inmediatamente después de otros éxitos como Old School y Dodgeball.

Al igual que otras entradas de Frat Pack, Anchorman trataba sobre un niño varón hilarantemente inmaduro que crece a regañadientes por la fuerza de una situación. Pero Anchorman también fue algo diferente y más grande que sus predecesores. Ambientada en San Diego (que significa "vagina de ballena" en alemán, según el personaje principal de Ferrell) en la década de 1970, es una pieza de época sobre el equipo de noticias de Channel 4, un grupo de misóginos impenitentes cuyo mundo se sacude con la llegada del ambicioso y la hábil “presentadora” Veronica Corningstone (Christina Applegate), que se niega a aceptar su mierda y no tiene miedo de arrojar una máquina de escribir o sabotear un teleprompter (si es necesario).

El presentador tuvo en cuenta la fea historia sexista de Estados Unidos y tuvo mucho que decir sobre el patriarcado tóxico y la política laboral, pero también estuvo repleto de chistes y frases memorables, de las cuales aproximadamente el 98 por ciento han sido repetidas por el público objetivo inicial de amigos. más de mil millones de veces cada uno. (Oye. Es ciencia.) Ideado, escrito y ejecutado por los ex socios de Saturday Night Live Ferrell y Adam McKay (quien también dirigió), Anchorman fue un punto de inflexión para ambos creativos, permitiéndole al primero llegar a ser tan grande y amplio como él. Claramente tenía ganas de irme y McKay quería inyectar furia satírica y hirviente en su trabajo, un estilo que exploraría plenamente en The Big Short, Vice y Don't Look Up.

Han pasado casi 20 años desde que Anchorman se unió al canon de los clásicos de la comedia estadounidense, por lo que ya es hora de realizar una evaluación crítica encuadernada en cuero y contar en profundidad cómo sucedió todo. Saul Austerlitz, profesor de historia de la comedia y autor del libro académico pop definitivo sobre la comedia Friends, realizó la investigación, las entrevistas y los reportajes de investigación para hacer Kind of a Big Deal: How Anchorman Stayed Classy and Became the Most Iconic Comedy of the. Siglo veintiuno. Es evidente que Anchorman fue una película difícil y fácil de hacer, con la interferencia del estudio a menudo acechando en un escenario relajado donde la improvisación y la unión del elenco no solo se fomentaban sino que se exigían. Algunas de las mejores partes de Anchorman surgieron de este enfoque de laboratorio de comedia, que encajaba bien con la exhaustiva atención al detalle del equipo. Aquí hay un extracto de Kind of a Big Deal, “Dejar salir a la ardilla de la bolsa”.

Un extracto de 'Kind of a Big Deal: Cómo Anchorman mantuvo la clase y se convirtió en la comedia más icónica del siglo XXI'

Era una costumbre tácita en la mayoría de los platós cinematográficos no ofrecer nunca una opinión sobre la actuación de otro actor. El trabajo del actor era endiabladamente difícil, requería que se expusieran de una manera que los no actores sólo podían identificar a través de sus pesadillas empapadas de sudor, y el esfuerzo que se hacía incluso en la actuación más mediocre tenía que ser respetado por sus compañeros practicantes. Pero los actores de Anchorman se habían forjado en su mayoría en el calor del boceto y la improvisación, donde los intérpretes regularmente superaban, completaban o añadían el trabajo de otros, y ese espíritu se trasladó al set de este largometraje.

Esto comenzó en la relación de McKay con los artistas. Estuvo presente no sólo para supervisar o intimidar, sino también para dirigir un seminario de posgrado sobre la creación de comedia. Cada línea podía mejorarse o hacerse más divertida o extraña, y se animaba a todos a contribuir. Este espíritu de generosidad creativa llegó a incluir a todos los actores, quienes aceptaron la libertad de reimaginar la película línea por línea. Al comienzo del rodaje, el guión había pasado por lecturas de guión, reescrituras y ponches, y McKay y Ferrell estaban seguros de que los chistes eran sólidos. Incluso si todo lo que lograron fue filmar el guión exactamente como está escrito, estarían en buena forma. Pero esperaban más.

McKay rápidamente estableció una rutina en el set. Los actores rodaban dos o tres tomas de una determinada escena, siguiendo el guión al pie de la letra. Una vez que McKay se sentía seguro de que habían capturado la esencia de una escena tal como estaba escrita, levantaba la voz y gritaba al elenco y al equipo: "Saquemos a la ardilla de la bolsa". Koechner entendió que McKay estaba declarando: "Di lo que quieras y mira si se cumple". McKay estaba abriendo el espacio para recibir aportaciones de él mismo, de Ferrell, de Apatow, de los actores o de cualquier otra persona con una idea básica sobre cómo mejorar, torcer, ajustar o reorientar una secuencia. A estas tomas las llamaron "alternativas". McKay, que poseía una voz naturalmente fuerte, no necesitaba un megáfono o un micrófono de “voz de Dios” conectado a los parlantes alrededor del set. Podía simplemente gritar y hacerse oír mientras estaba parado detrás de la cámara o sentado junto a un monitor dentro de la tienda de campaña de video, lo que tal vez contribuía al ambiente informal de intentar cualquier cosa. Ferrell ya había hecho su tarea la noche antes de filmar una escena, leyendo una vez más el guión para refrescar su memoria sobre líneas adicionales que podría probar al día siguiente. Y las notas del supervisor de guión también le permitirían tener una referencia cerca, recordándole lo que él y el elenco habían intentado previamente durante los ensayos.

Los alters eran un juego, y los artistas que habían sido entrenados en comedia de improvisación y sabían cómo leer una escena y lidiar con su potencial, tenían una clara ventaja. Las primeras tomas sirvieron para el guión, e incluso este estilo de micrófono abierto tenía que preservar el esquema de la historia. Una línea podría ser hilarante, pero si contradijera el resto del texto, sería inutilizable. Había que poder leer el tono de una línea y sustituirla por otra idea que ampliara, amplificara o tergiversara el chiste. Algunos actores, como Fred Willard, que había trabajado extensamente con Christopher Guest en películas como Esperando a Guffman, estaban acostumbrados a que se les entregara poco más que un esquema y un resumen de la información contenida en una escena. Otros, como Applegate, estaban más familiarizados con la comedia totalmente escrita. El estilo de McKay combinaba enfoques con guión y sin guión, exigiendo una confluencia de habilidades por parte de sus intérpretes.

Los orígenes de la frase “dejar salir a la ardilla de la bolsa” se pierden, pero podría tener algo que ver con una secuencia al principio de la película. El equipo de noticias se reúne en la sala de conferencias la mañana después de una juerga épica. Champ, con la corbata desabrochada, el sombrero echado hacia atrás y un trozo de papel higiénico ensangrentado pegado a la cara, dice: "Me desperté esta mañana en la sala de recreación de una familia japonesa y no dejaban de gritar". Esto obtuvo una respuesta positiva, pero luego a Koechner se le ocurrió una versión completamente diferente (que se usaría para la versión en DVD sin clasificar de la película): “Me desperté esta mañana y me cagué en una ardilla. Lo digo en serio. Literalmente. Qué carajo, esa maldita cosa sigue viva. Así que tengo una ardilla cubierta de mierda en la oficina. No sé cómo llamarlo”. (En otra toma, Champ dijo que su noche había consistido en seis botellas de vino blanco, orinarse en los pantalones y disparar a perros callejeros en México). Koechner había planeado continuar con su carrera, hablando de que no estaba seguro si la ardilla Tenía mierda o no, pero fue interrumpido por el agradable sonido de sus compañeros de reparto estallando en carcajadas y arruinando la toma.

Para ser verdaderamente brillante a la hora de sacar la ardilla de la bolsa, resultaba útil escuchar atentamente el trabajo de los demás. Alts exigía reservas heroicas de creatividad improvisadora, que fácilmente podían inspirar una atención narcisista a tus líneas y a las de nadie más, pero el juego funcionaba mejor cuando los actores rebotaban en las carreras de los demás. Después de que Koechner describiera haber cagado en una ardilla, Steve Carell dio un paso adelante y demostró con qué cuidado había prestado atención a Champ a la mañana siguiente, inclinado a través de la abertura rota de Brick Tamland: “Lo siento, Champ. Creo que me comí tu ardilla de chocolate”. Koechner quedó profundamente impresionado de que Carell hubiera escuchado tan atentamente y fuera capaz de crear su propio alt. Se dedicó una noche entera a las infinitas variaciones de Carell en esta secuencia del día siguiente, incluida una alternativa que aparecería en las tomas descartadas de la película: “Me comí un montón de aislamiento de fibra de vidrio. No era algodón de azúcar como dijo ese tipo. Me pica el estómago”.

McKay y Ferrell podrían haber escrito el chiste de la ardilla, con suficientes horas, suficiente cafeína y suficientes explosiones de inspiración. Pero a veces el mejor material procedía de entregar su guión altamente pulido a otros. McKay les decía a los actores que nada podría compararse con la sensación de aparecer el día que ibas a filmar una escena, rodeado de los decorados y el vestuario, y dejando que tu mente divague. En última instancia, la película comenzaría con una secuencia tejida a partir de personajes alternativos, con Ron calentando antes de una transmisión con una serie de ejercicios vocales ridículos, que incluyen “El pirómano tenía pies con formas extrañas” y “A la Antorcha Humana se le negó un préstamo bancario” (que recibió la mayor risa en el set). Ron también bromea con figuras fuera de la pantalla, intentando descifrar el nombre de uno (¿es Lanolin?) y mordiéndose los dientes mientras informa al equipo, sin duda fascinado, que comió costillas en el almuerzo ese día.

La apertura también enfatizaría el ambiente borracho y degradado de News Channel 4, con Ron preparándose para la transmisión de la noche estirándose para beber un vaso de whisky y luego compartiendo su entusiasmo con los demás: “Me encanta el whisky. Me encanta el whisky. Scotchy-scotch-scotch. Aquí baja. Hasta mi vientre”. La voz de Ron adquiere un tono cantarín, como si fuera el tema principal de su existencia o el combustible que lo impulsa a través de las noticias de cada noche.

McKay estaba creando una atmósfera que iba en contra de gran parte de la sabiduría convencional del set de filmación. Dejar que los actores jugaran mientras las cámaras rodaban se consideraba, en general, la encarnación literal de prender fuego al dinero en efectivo. Cada metro de película, cada minuto de tiempo de los miembros del equipo, cuesta dinero, y abrir el piso para que otros jugaran en el set de filmación era una receta para el caos total.

Algunas escenas tenían una hiperabundancia de líneas posibles entre las cuales seleccionar, mientras que otras no tenían suficientes líneas en la página para cobrar vida. Mientras filmaba la secuencia de “Afternoon Delight”, en la que Ron explica a sus colegas el significado del amor al liderar una versión en cuarteto de barbería del éxito de Starland Vocal Band, McKay se acercó a Carell y le dijo: “Deberíamos tener más líneas para ti. pero no tenemos ninguno en la página”. McKay le pidió que interviniera de todos modos: "Solo di algo".

McKay entendió a Brick como el Harpo Marx de este conjunto. Brick estaba menos sujeto a las leyes de la física o a los requisitos del realismo que sus compañeros. Podría comentar escenas o romper la cuarta pared sin previo aviso. McKay lo vio como un poder mágico otorgado a Carell, pero que debía usarse con moderación por temor a estropear el efecto. Después de que Ron se pone poético sobre Verónica, Champ pregunta vacilante: "¿Cómo es, Ron?" Al principio, Ron toma su pregunta como sobre sexo: “¿Los momentos íntimos? ¡Fuera de vista, amigo mío! Pero Brian tiene en mente una pregunta más complicada y vergonzosa: “No. La otra cosa. Amar." El amor sale apenas como un susurro, y Brian cierra la puerta antes incluso de decir la palabra.

Después del breve homenaje de Brian al brasileño... ¿o al chino? – mujer con la que se besó en un Kmart, Brick salta con su propia interpretación del amor mientras sus ojos exploran la habitación: "Me encanta la alfombra". Ron asiente alentadoramente y Brick continúa: "Me encanta el escritorio". Ron (y Ferrell) se dan cuenta de lo que Brick está haciendo aquí y lo llaman amablemente: "Brick, ¿solo estás mirando cosas en la oficina y diciendo que las amas?". La presentación de Carell aquí es una clase magistral de entonación y ritmo. Está erguido como un palo con su traje marrón de tres piezas, sus ojos se desvían hacia un lado antes de mirar hacia adelante y su voz baja a un susurro ronco: "Me encanta la lámpara". Cuando Ron vuelve a preguntar si realmente ama la lámpara, Brick repite su frase, pero esta vez con un dejo de tristeza, como si la lámpara fuera la que se escapó. Fue pura brillantez y sólo el proceso de improvisación podría haber creado el momento.

Los rasgos clave necesarios para capturar un rayo de improvisación en una botella eran la paciencia y la capacidad de restablecerse mentalmente. Para la secuencia en la que Ron y Verónica están sentados en un automóvil contemplando las luces de la ciudad (filmada en un mirador cerca del centro de San Pedro), Ferrell probó una asombrosa variedad de líneas diferentes para describir San Diego. El equipo siguió filmando, revisando cuatro o cinco cargadores de película mientras él sacaba a relucir alternativas: casi una hora de frenética improvisación del estilo “San Diego, que por supuesto en alemán significa 'panqueques dorados'”. Más y más frío en el fresco aire de la tarde a medida que avanzaba el rodaje. Con cada variación, Applegate tendría que responder como si fuera la primera vez, entrecerrando los ojos o frunciendo los labios y registrando su incertidumbre ante el conocimiento urbano de Ron.

McKay ocasionalmente intervino con sugerencias, pero en su mayoría dejó que Ferrell operara bajo su propia guía, probando diferentes enfoques del momento antes de decidirse por la versión que había aparecido en el guión: “Amo esta ciudad. Es un hecho. Es la ciudad más grande de la historia de la humanidad. Descubierta por los alemanes en 1904. La llamaron San Diaago, que por supuesto en alemán significa 'vagina de ballena'”.

McKay y Ferrell también probaron una serie de opciones para la frase que Ron diría ante la cámara y que ahuyentaría a sus fieles seguidores en una escena posterior. La película final lo mantuvo simple, con Ron, dependiente del teleprompter, diciéndole accidentalmente a su audiencia: "Vete a la mierda, San Diego", al final de una transmisión. Verónica se sienta junto a Ron, congelada por la sorpresa de que su estrategia para arreglar el teleprompter realmente haya funcionado. “Ron, tengo que despedirte”, le dice un pálido Ed, y Ron responde en broma: “Bueno, tengo que despedirte. Bing-bom-bom”. Ron apunta con sus dedos a su jefe y se aleja riéndose del chiste de Ed. No es hasta que a Ron se le muestra una reproducción de video de la transmisión que palidece, con los ojos desorbitados por la sorpresa: "¡Gran cuervo de Odín!" Se sacaron a relucir numerosas alternativas para este momento, y McKay era especialmente partidario de una versión más sucia: "Ve a meterte una polla enorme, violácea y venosa en el culo, San Diego".

El estilo alternativo fue un desafío particular para el equipo de cámara, quienes tuvieron que encontrar una manera de mantener la cámara siguiendo a los artistas sin saber exactamente qué podían hacer en una secuencia determinada. Normalmente, una escena puede durar cuarenta y cinco segundos como máximo, lo que da a los miembros del equipo la oportunidad de adaptarse, pero la cámara puede estar grabando aquí durante minutos seguidos. El operador de cámara Harry Garvin había estudiado detenidamente el guión, pero se encontró a la deriva después de las primeras tomas. Garvin comenzó a estudiar los tics de cada intérprete para comprender qué podrían estar haciendo. Se dio cuenta de que Ferrell marcaba muchas escenas con el vaso de whisky que a menudo tenía en la mano. Podría llevárselo a los labios, decir su línea y luego beberlo, o simplemente acercarlo a su boca. Applegate inclinaba o giraba la cabeza de cierta manera cada vez que escuchaba uno de los monólogos de Ron.

Un viernes por la tarde, Ferrell, Koechner, Rudd y Carell estaban filmando una escena en la cafetería de la estación de noticias (la misma escena para la que Carell había audicionado), planeando su último asalto a Verónica, que Champ comparó cruelmente con su campaña anterior contra "esa cojera". "El hada de muñeca que se suponía debía hacer los informes financieros". Ron está de acuerdo en que "declararán la guerra a Corningstone", pero se distrae con el almuerzo de falafel, hot dog y canela de Brick. El equipo de noticias estalla en carcajadas ante la espantosa comida de Brick, mientras Carell come con entusiasmo, con los dientes espolvoreados con una espesa capa de posos de café. Los otros actores lucharon por mantenerse unidos mientras Brick masticaba sin darse cuenta.

Sin anunciar explícitamente ninguna competencia, los artistas de Anchorman buscaban divertirse unos a otros, y Carell tenía un don sobrenatural para provocar risas impotentes en sus compañeros de reparto y en el equipo. Carell se consideraba un espectador de Anchorman, algo que consideraba acorde con su papel. Brick estaba mayoritariamente en segundo plano, con menos líneas que sus compatriotas y, sin embargo, lo que Carell más quería transmitir era el deseo de Brick de ser parte de este equipo disfuncional pero amoroso.

A David Koechner le regalaron como accesorio multiusos un sombrero de vaquero beige con ala inclinada y laterales acampanados. La diseñadora de vestuario Debra McGuire vio a Champ como el vaquero de la historia (crudo, bullicioso y poderoso) y quiso asignarle un tocado que encajara con el personaje. Lo malo del sombrero era que era un poco demasiado grande. Esto fue un defecto y también una solución amañada al problema de Steve Carell, permitiendo a Koechner agachar la cabeza y cubrirse parcialmente la cara cuando Carell lo hacía reír. (Era tan difícil no reírse en presencia de estos artistas que Koechner a veces se veía obligado a pensar en las dificultades que habían pasado sus hijos para evitar romperse).

Una de las primeras secuencias llevadas al cine, la secuencia de la fiesta en la que Ron ve por primera vez a Verónica, fue un rodaje nocturno en el barrio de View Park y una oportunidad para establecer el tono para el equipo y para toda la película. La ubicación era una casa que era un verdadero vestigio de la década de 1970, con alfombras peludas y luces de globo que bordeaban la calle. (Otra casa explorada por el director de locaciones Jeremy Alter pertenecía a Ray Charles y tenía una piscina con forma de piano). “¿Estamos en un túnel del tiempo o algo así?” Se preguntó la operadora de cámara Linda Gacsko cuando vio por primera vez el lugar.

La fiesta en casa sirve como la primera oportunidad para que el equipo de noticias de Channel 4 se presente. Brian, con una chaqueta de cuero color canela arrugada, muestra una pistola y fuma un cigarrillo, rodeando con el brazo a una rubia sensual (Darcy Donavan) mientras comparte los apodos que le pone a sus genitales: “Sé lo que te estás preguntando. La respuesta es sí. Tengo un apodo para mi pene. Se llama octágono. Pero también apodé a mis testículos. El de la izquierda es James Westphal y el de la derecha es el Dr. Kenneth Noisewater. Ustedes, señoras, juegan bien sus cartas, es posible que conozcan a toda la pandilla”. (En una alternativa de esta escena, Brian comparte que estuvo en la primera base con cuarenta y tres chicas y llegó a la base con cuatro afortunadas. Rudd pensó que, a pesar de toda la charla explícita de Brian, en realidad podría ser virgen. )

Champ mira a la cámara e informa a los observadores: “Lo único que quiero es divertirme. Ya sabes, traerme un par de cócteles, iniciar un incendio en la cocina de alguien. Tal vez ir a SeaWorld y quitarme los pantalones”. (En una secuencia de corte, Champ se para en el techo y grita “¡Orgía!” a los juerguistas reunidos. Cuando lo reciben con un silencio sepulcral, se disculpa por malinterpretar la vibra). Brick aparece pacientemente echando mayonesa en una tostadora. “Parece que le agrado a la gente porque soy educado y rara vez llego tarde. Me gusta comer helado y realmente disfruto un buen par de pantalones”.

El director de fotografía Tom Ackerman quería darle a Applegate un poco del glamour de Hollywood al estilo de los años 30 para su primera aparición en la película. Ackerman hizo que un suave foco se apagara sobre Applegate, dándole a Veronica un tenue brillo. Y cuando Ron se acerca por primera vez a Verónica y se ve a Applegate en un primer plano, la toma pretende deslumbrar. Ron le dice a Verónica: “Tienes un trasero absolutamente impresionante. Quiero decir, esa cosa es buena. Quiero ser amigo de él”. El tono casualmente sexual y sexista se estableció momentos antes, cuando Brian le presentó a Ron a su amigo rubio, quien tocó su amplio pecho mientras ronroneaba en su dirección: "Tengo una gran historia para ti, y es cierto". aquí." Ron, que nunca deja de decir las palabras en voz alta, respondió: "Señalaste tus tetas". La voluntad de Ron de rechazar esta cosa segura en busca de Verónica habla de su espíritu romántico o de su egoísmo.

Ron sostiene una bebida festiva con un trozo de naranja de gran tamaño y un pequeño paraguas verde caído en el centro, su exuberante mechón de vello en el pecho, expuesto por su bata naranja abierta, un contrapunto irónico a su declaración de intenciones: "No sé cómo decirlo, pero soy algo importante”. Ron casi se ríe al tener que mencionar algo extremadamente obvio. “Soy muy importante. Tengo muchos libros encuadernados en piel y mi apartamento huele a caoba rica”. La pausa de Verónica indica que sabe exactamente quién es Ron, aunque ella profesa no saberlo.

Ron instantáneamente se da cuenta de que se está excediendo de su objetivo y le pregunta a Verónica si puede volver a intentarlo con ella. "Quiero decir algo. Quiero publicarlo. Y si te gusta, puedes tomarlo. Si no lo haces, envíalo de vuelta inmediatamente”. Hace una pausa antes de continuar. "Quiero estar en ti." Cuando Verónica se da vuelta, Ron repite lo mismo sin mucho entusiasmo y luego toma un lúgubre sorbo de su bebida afrutada. El rodaje duró tanto que en el momento de la última toma de la noche, una toma doble de Verónica y Ron, apenas se podía distinguir el cielo iluminado detrás de los árboles en los bordes del encuadre.

Cuando el rodaje se detuvo al final de la primera semana, Koechner, Rudd y Carell regresaron a casa y tuvieron conversaciones idénticas con sus cónyuges. La nueva película en la que estaban trabajando, les dijeron a sus esposas, era un sueño, un guión hilarante con un director creativo. Y los artistas que los rodeaban estaban operando al máximo de su juego. ¿Cómo podrían seguir el ritmo estando rodeados de una compañía tan distinguida? Todos eran mejores que ellos: más divertidos, más astutos, más inteligentes.

Los actores compartieron un tráiler de tres habitaciones y, cuando se reanudó el rodaje el lunes por la mañana, se dieron cuenta de que ambos habían pasado el fin de semana agitados por el mismo descontento. Fue un alivio descubrir que nadie (excepto posiblemente el sobrenaturalmente dueño de sí mismo Will Ferrell) era inmune al miedo de defraudar a un conjunto extraordinariamente talentoso.

Los actores sabían que algo especial estaba sucediendo en el set, facilitado por McKay, y no querían hacer nada que pudiera estropearlo. Koechner lo consideró el equivalente cómico de un hito del béisbol. Si un lanzador estuviera lanzando un juego sin hits, sus compañeros de equipo se alejarían intencionalmente de él, reacios a decir o hacer algo que pudiera estropear el momento. Los actores se reunían en su tráiler compartido por las mañanas hasta que los llamaban al set. Pasaron gran parte del tiempo mirándose mutuamente, y Rudd era especialmente propenso a bajarse los pantalones.

Lo máximo que los actores se permitían eran comentarios anodinos como “Esto se siente bastante bien, ¿eh?” Nadie quería llamar la atención sobre lo que estaba ocurriendo. Pero Carell, Rudd y los demás actores se reunían con el equipo a la hora del almuerzo para ver los diarios y llevaban helados de chocolate caliente como un regalo posprandial mientras miraban la acción del día anterior. Los diarios solían ser una tarea ardua para los miembros de la tripulación, pero esto era notablemente diferente. Los actores tendrían lágrimas en los ojos de tanto reírse. Lo único que preocupaba a Carell era engordar con todos los helados.

De Kind of a Big Deal: How Anchorman Keeped Classy and Became the Most Iconic Comedy of the XXI Century, de Saul Austerlitz, que se publicará el 22 de agosto de 2023 por Dutton, un sello de Penguin Publishing Group, una división de Penguin. Casa al azar, LLC. Copyright © 2023 por Saúl Austerlitz.